Mencabar Ruang Konvensional: Refleksi tentang Never Stand Still, Produksi Tarian Kontemporari oleh ASK Dance Company
- Fauzi Amirudin
- 15 jam lalu
- 7 min membaca
Dikarang oleh Mohd Fauzi Amirudin
Jarang sekali tarian kontemporari meminta penontonnya mencapai satu kesimpulan pengalaman menonton persembahan. Lebih kerap, ia mengajak kita memerhati, mempersoalkan, dan membina tafsiran sendiri melalui pergerakan, imej, dan pengalaman hidup. Inilah cara saya memilih untuk mendekati Never Stand Still, yang dikoreografikan oleh Zulkarnain Zuber dan dipersembahkan oleh ASK Dance Company. Sebelum memasuki ruang persembahan, saya dengan sengaja tidak membaca nota program. Saya mahu setiap karya berkembang mengikut termanya sendiri, membolehkan respons saya muncul daripada apa yang saya saksikan dan bukannya daripada penjelasan yang diberikan terlebih dahulu. Sebagai seseorang yang bekerja dalam bidang tarian, saya sentiasa percaya bahawa koreografi patut ditemui sebelum ditafsirkan. Produksi ini menyatukan empat karya berbeza, setiap satu menawarkan suara koreografi yang berbeza sambil kekal terhubung melalui komitmen bersama terhadap eksperimen. Daripada mencari naratif yang berterusan, saya mendapati diri saya bertindak balas terhadap detik-detik, imej, dan pertemuan fizikal penari yang secara beransur-ansur terkumpul menjadi refleksi yang lebih luas tentang kemungkinan amalan tarian kontemporari.
Sebagai seseorang yang bekerja dalam bidang tarian, saya sentiasa percaya bahawa koreografi patut ditemui sebelum ditafsirkan.
Penontonan persembahan seni di Kongsi KL (kanvas kosong; sebuah ruang gudang kosong tanpa tempat duduk yang tetap) pasti mengaruh pengalaman semua. Tempat tersebut menawarkan suasana yang lebih mesra berbanding dengan panggung konvensional, membolehkan penonton memerhatikan perincian halus, termasuk, pergerakan, pernafasan dan kehadiran penari dari jarak dekat. Pada masa yang sama, konfigurasi penonton kadangkala mengehadkan pandangan lengkap komposisi koreografi. Bergantung pada tempat duduk seseorang, beberapa hubungan visual menjadi lebih jelas manakala yang lain sebahagiannya tersembunyi. Batasan praktikal ini tidak mengurangkan nilai artistik produksi. Sebaliknya, ia mengingatkan saya bahawa setiap persekitaran persembahan mempengaruhi cara koreografi dialami. Apa yang akhirnya kekal bersama saya bukanlah susunan ruang itu sendiri, tetapi keupayaan penari mengekalkan perhatian penonton melalui pergerakan, komitmen dan pendirian artistik.
Babak 1
Acara malam itu dibuka dengan 9,999 Langkah (Hampir Sampai,tetapi Belum), yang dipersembahkan oleh Jackson Anak Janda dan Sera Nina Sumbin. Sejak permulaannya, karya ini mewujudkan suasana ketahanan fizikal dan keazaman yang tenang. Mesin berlari yang digunakan bukan sekadar prop pentas. Ia mewujudkan tuntutan fizikal berterusan yang memerlukan kedua-dua orang penari untuk berunding tentang masa, keseimbangan, dan kepercayaan bersama dengan konsistensi yang luar biasa. Apa yang paling mengagumkan saya ialah komitmen yang ditunjukkan oleh kedua-dua orang penari. Jackson dan Nina mengekalkan tahap fokus fizikal yang mengagumkan sepanjang karya, membolehkan koreografi berkembang tanpa keterlaluan pameran pentas. Persembahan mereka bergantung pada ketepatan pergerakan lebih daripada kesan pameran, menunjukkan bahawa tumpuan yang berterusan boleh menjadi sama menariknya dengan pergerakan virtuosik.
Pencahayaan fokus tunggal mengukuhkan lagi dialog fizikal ini. Ia berjaya mengarah perhatian penonton ke arah penari sambil membenarkan persekitaran sekeliling surut ke latar belakang. Perubahan kostum yang dilakukan dalam ruang persembahan ini juga berfungsi dengan berkesan sebagai peralihan persembahan, menandakan peralihan emosi yang halus tanpa mengganggu kesinambungan koreografi.
Walau bagaimanapun, karya itu menimbulkan satu persoalan yang kekal dalam fikiran saya selepas ia berakhir. Walaupun tindakan berjalan berulang-ulang itu berkesan menyampaikan kegigihan dan daya tahan, saya tertanya-tanya sama ada simbolisme yang dicadangkan oleh tajuk, 9,999 Langkah, mungkin dikembangkan lebih lanjut melalui idea pergerakan berulang atau metafora visual yang lebih kuat. Koreografi tersebut sudah mempunyai asas fizikal yang kukuh. Memperluas bahasa simboliknya dapat mengukuhkan impak konseptual karya tanpa menjejaskan kesederhanaannya.
Babak 2
Antara empat karya yang dipersembahkan pada petang itu, solo Ng Yu Jun paling lama terpahat dalam fikiran saya. Ia bukanlah karya yang paling mencabar fizikal, dan juga tidak bergantung kepada alat teater yang rumit. Sebaliknya, kekuatannya terletak dalam kesederhanaan dan kejujurannya. Menggunakan aksi menyidai pakaian yang biasa sebagai imej utamanya, koreografi tersebut mengubah rutin harian menjadi refleksi yang bernas tentang kehidupan rumah tangga. Tindakan berulang seperti mengangkat, melipat, dan menyidai pakaian secara beransur-ansur berkembang menjadi bahasa pergerakan yang membawa beban emosi tanpa menjadi terlalu deskriptif. Sebalik daripada menggambarkan sebuah kisah, karya tersebut mengajak penonton untuk memerhatikan bagaimana tindakan biasa dapat mendedahkan lapisan pengalaman manusia.
Ng mempersembahkan solo beliau dengan penuh kawalan diri yang mengagumkan. Beliau mengelakkan paparan emosi yang berlebihan dan mempercayai koreografi untuk berkomunikasi melalui kejelasan pergerakan dan niat. Perubahan kecil dalam rentak, fokus dan masa menjadi ketara, membolehkan penonton menemui makna secara beransur-ansur dan bukannya dipaksakan ke atas mereka. Ia merupakan persembahan yang menunjukkan keyakinan terhadap kesederhanaan. Semasa saya menonton, saya mendapati diri saya memikirkan makna budaya yang sering dibawa oleh rutin domestik dalam masyarakat Melayu. Perbuatan biasa seperti menyidai pakaian bukan sekadar tugas rumah tangga. Ia dikelilingi oleh adat resam, kepercayaan, dan jangkaan sosial yang diturunkan dari generasi ke generasi. Walaupun rujukan budaya ini tidak pernah dinyatakan secara langsung, koreografi secara semula jadi membuka ruang untuk refleksi sedemikian.
Mungkin inilah satu-satunya detikan di mana saya berharap karya ini dapat diperkembangkan selanjutnya. Bahan pergerakan telah menyediakan asas yang kukuh, namun saya merasakan terdapat peluang yang terlepas untuk memperdalamkan dimensi budaya simboliknya, khususnya budaya domestik Melayu di rantau ini. Gerak isyarat tertentu atau motif koreografi yang berulang mungkin telah memperkukuhkan kepentingan simbolik buruh domestik dalam rumah tangga Melayu, bukan dengan menjelaskannya, tetapi dengan membenarkan penonton untuk mengaitkan diri secara bebas dengan lapisan makna tambahan. Pendekatan sedemikian dapat memperkayakan karya tanpa mengorbankan keterbukaan atau kehalusannya.
Babak 3
Jika solo Ng menggalakkan renungan yang tenang, The Vaults of Gold mengubah suasana ke arah yang berbeza. Karya itu berkembang dengan rentak yang terukur, membolehkan naratif, teaterikal dan pergerakan wujud bersama tanpa satu mendominasi yang lain. Daripada bergantung kepada intensiti fizikal yang berterusan, koreografi itu mewujudkan minat melalui kontras, masa dan peralihan yang dikawal dengan teliti. Jackson dan Ng mendekati karya itu dengan yakin, membolehkan saat-saat kesunyian membawa makna yang sama pentingnya dengan pergerakan itu sendiri. Persembahan mereka menunjukkan kematangan, terutamanya dalam cara mereka mengekalkan ketegangan dramatik tanpa menggunakan kerumitan fizikal berlebihan. Unsur-unsur teater melengkapi koreografi, menawarkan penonton ruang masa bagi mentafsirkan karya itu dari perspektif mereka sendiri.
Salah satu detik yang tidak dijangka datang melalui penyertaan perbualan yang diunjurkan dengan ChatGPT dalam bahagian produksi ini. Kemunculan teks digital memperkenalkan lapisan kontemporari kepada persembahan dan mengalihkan perhatian penonton daripada penari ke skrin secara ringkas. Walaupun idea itu menarik, saya merasakan hubungan antara dialog yang diunjurkan dan koreografi boleh dikembangkan lebih lanjut. Elemen teknologi mempunyai potensi konseptual yang kuat, namun ia masih agak terputus daripada dunia fizikal yang ditubuhkan oleh penari. Walaupun begitu, The Vaults of Gold menunjukkan kesediaan untuk meneroka kemungkinan baharu tanpa bergantung kepada teknologi. Koreografi kekal sebagai tumpuan utama, manakala intervensi digital berfungsi sebagai lapisan interpretasi tambahan. Dengan penambahbaikan selanjutnya, saya percaya hubungan antara pergerakan dan teknologi ini boleh menjadi salah satu kekuatan karya yang paling tersendiri.
Babak 4
Interchange merupakan acara kemuncak penting pada malam itu, sebuah karya yang telah berkait rapat dengan ASK Dance Company dan sebelum ini telah menerima pengiktirafan antarabangsa di Yokohama Dance Collection di Jepun. Melihat karya itu sekali lagi mengingatkan saya bahawa jangka hayat sesuatu koreografi bukan sahaja bergantung kepada strukturnya, tetapi juga kepada penari yang terus meneruskannya.
Bezanya tarian dengan muzik atau sastera adalah tarian tidak dapat dipelihara sepertimana ia mula-mula dicipta. Setiap kebangkitan semula memperkenalkan kelainan fizikal, interpretatif dan pengalaman baharu.
Bezanya tarian dengan muzik atau sastera adalah tarian tidak dapat dipelihara sepertimana ia mula-mula dicipta. Setiap kebangkitan semula memperkenalkan kelainan fizikal, interpretatif dan pengalaman baharu. Walaupun penari asal sering mempunyai keakraban yang lebih mendalam dengan proses kreatif, koreografi yang berjaya juga harus mampu berkembang tanpa kehilangan identiti artistiknya.
Ini terbukti dalam Interchange. Penari dalam produksi ini tidak cuba meniru mereka yang pernah mempersembahkan karya tersebut sebelum ini. Sebaliknya, mereka membawa kualiti fizikal dan kehadiran pentas mereka sendiri ke dalam koreografi sambil tetap menghormati struktur asalnya. Keseimbangan antara kesinambungan dan pembaharuan mungkin merupakan salah satu sebab mengapa karya ini terus bergema dengan penonton yang berbeza. Sepanjang produksi, beberapa penari meninggalkan tanggapan yang kuat. Seraphic Wong dan Nadhirah Rahmat secara konsisten menunjukkan keyakinan, kejelasan dan kawalan pergerakan badan. Persembahan mereka tidak pernah bergantung pada paparan berlebihan. Sebaliknya, mereka berkomunikasi melalui ketepatan, niat dan pemahaman yang terjamin tentang masa. Dalam persekitaran persembahan di mana penonton duduk berdekatan, walaupun butiran ekspresi terkecil menjadi jelas. Keupayaan mereka untuk mengekalkan fokus sepanjang setiap karya menyumbang dengan ketara kepada kualiti keseluruhan malam itu.
Penyertaan penari pelajar dari Universiti Pendidikan Sultan Idris (UPSI) dan Taylor's University juga menggalakkan. Membuat persembahan bersama ahli berpengalaman ASK Dance Company mungkin mencabar, namun penari muda ini dapat berintegrasi dengan lancar ke dalam ensembel. Mereka mengekalkan tenaga dan kualiti persembahan yang konsisten sambil menyesuaikan diri dengan yakin dengan pelbagai gaya koreografi yang dipersembahkan sepanjang produksi. Lebih penting lagi, kehadiran mereka mencerminkan komitmen ASK Dance Company untuk memupuk artis-artis lokal baru muncul melalui latihan dan persembahan. Dari perspektif produksi, reka bentuk pencahayaan oleh Tan Eng Heng menyokong koreografi dengan berkesan tanpa membebankannya. Cahaya digunakan dengan sensitiviti, mengarahkan perhatian jika perlu sambil membolehkan penari kekal menjadi tumpuan utama setiap karya.
Reka bentuk visual keseluruhannya juga terkawal. Daripada bersaing dengan koreografi, ia melengkapi persembahan dan menghormati ciri ruang persembahan tersebut. Walau bagaimanapun, satu aspek yang terus memenuhi fikiran saya ialah bahagian belakang ruang persembahan. Walaupun ia berfungsi dengan secukupnya dalam keseluruhan pementasan, saya merasakan ia menawarkan lebih banyak peluang untuk pembangunan visual. Penggunaan kawasan itu dengan lebih teliti dapat mengukuhkan komposisi ruang dan menambahkan satu lagi lapisan minat visual kepada produksi.
Concluding thoughts
Pengimbasan kepada malam produksi itu, saya menyedari bahawa Never Stand Still tidak pernah cuba memberikan jawapan yang pasti. Sebaliknya, ia mengajak penonton untuk terus ingin tahu. Produksi ini mempunyai detik-detik yang memberi impak, walaupun beberapa konsep boleh dikembangkan lebih lanjut; mungkin itulah sifat tarian kontemporari itu sendiri. Ia terus berkembang melalui eksperimen, dialog dan kesediaan untuk mempersoalkan cara-cara yang sedia ada dalam mencipta dan mengalami persembahan. Apa yang kekal bersama saya selepas meninggalkan Kongsi KL bukanlah satu pergerakan atau imej, tetapi penghargaan yang diperbaharui terhadap artis yang terus mengambil risiko kreatif. Never Stand Still menunjukkan bahawa tarian kontemporari tidak semestinya perlu lebih kuat, lebih pantas atau lebih kompleks untuk mencipta makna. Kadangkala kekuatan terbesarnya terletak di keupayaannya untuk mewujudkan ruang refleksi, perbualan dan pelbagai tafsiran. Bagi saya, itulah pencapaian yang berkekalan dalam produksi ini.
Mohd Fauzi Bin Amirudin is a Malaysian choreographer, dancer, and educator bridging tradition and contemporary innovation. A UPSI lecturer with a Master of Dance from Universiti Malaya, he has won BOH Cameronian Best Choreographer (2014 & 2026) and three WCOPA gold medals. Former principal dancer of ASK Dance Company, his work on Tari Piring continues shaping Malaysia's dance landscape.
Penterjemahan oleh Tarinao
Komen